Kiss The Ground, Meilleur Long-métrage Documentaire

Comment nous sauver des conséquences désastreuses du réchauffement climatique qui nous attend tout en gardant une attitude positive et bienveillante ? La réponse se trouve juste sous nos pieds. En tout cas, c’est ce qu’affirment Rebecca Harrell Tickell et Joshua Tickell dans leur documentaire sur l’agriculture régénératrice, sélectionné au Paris International Film Festival : Kiss The Ground.

Déjà connus pour avoir réalisé des documentaires sociaux et environnementaux importants comme Fuel (prix du Best Documentary pour le Sundance Audience Award) mais aussi The Big Fix (en sélection officielle du Festival de Cannes en 2011), le couple bouscule de nouveau les esprits avec ce documentaire émouvant qui démontre les conséquences de la surexploitation des sols et le déséquilibre global que l’agriculture intensive entraîne sur le vivant.

Kiss The Ground fait partie d’un projet plus large : Kiss The Ground Fund Impact, ayant pour objectif de sensibiliser, former et accompagner des agriculteurs et des éleveurs du monde entier dans leur transition vers l’agriculture régénératrice. Kiss The Ground nous emmène à la rencontre de plus de 25 personnalités différentes, toutes engagées dans la préservation des sols. Agronomes, scientifiques, auteurs, artistes, agriculteurs pratiquant la permaculture ou spécialistes du compost nous partagent leurs connaissances et leur expérience de la terre, leurs préoccupations pour le futur mais aussi leur amour pour la biodiversité. 

« Il s’agit de mettre en place un système de coopération avec la nature plutôt que de poursuivre nos anciennes méthodes s’opposant à elle ». Dans les années 30, face au Dust Bowl qu’avait engendré le surlabourage des champs, le président Franklin Roosevelt était déjà conscient qu’il fallait changer notre modèle agricole et que cela passait inévitablement par la compréhension de la nature et le respect de ses lois physiques. Les réalisateurs nous alertent. Il y a déjà eu de graves problèmes environnementaux par le passé et il est tout à fait possible que cela se reproduise si on ne fait rien. Les archives en noir et blanc glacent le sang, semblant appartenir au passé comme des images de guerre alors qu’elles pourraient bientôt redevenir réelles. Kiss The Ground s’ouvre sur cette démarche portée Ray Archuleta, un agronome qui apprend aux éleveurs à obtenir un sol en bonne santé grâce aux techniques de l’agriculture régénératrice. C’est l’idée qui sera portée tout le long du documentaire à travers des portraits de femmes et d’hommes qui se battent pour changer le monde afin de mettre place une agriculture qui s’inspire en partie de modèles ancestraux.

Un de nos portrait favoris est bien évidement celui de Gabe Brown, ancien agriculteur traditionnel reconvertit dans l’agriculture régénératrice. Convaincu des bénéfices de la permaculture, il évite le labourage et valorise la diversité des animaux et des végétaux au sein de ses champs afin de créer un écosystème naturel et durable. Gabe Brown participe à la création d’un monde vivant, riche, et plus sain.

Même si Kiss The Ground nous rappelle bien évidement les dégâts actuels et futurs du réchauffement climatique, le documentaire ne sombre pas dans une le catastrophisme culpabilisateur. Au contraire, de nombreux projets nous sont montrés à l’écran prouvant l’incroyable capacité de résilience de la nature. Kiss The Ground révèle que l’homme est capable d’accompagner et d’accélérer la fertilisation des terres s’il en comprend le cycle. Agrémenté par de nombreux graphiques et des schémas pédagogiques, le documentaire permet à des esprits alertés ou non de comprendre le fonctionnement du sol. 

Porté par la voix off du célèbre acteur Woody Harrelson (The Hunger Games, True Detective), Kiss The Ground créé l’enchantement en alternant portraits poignants, paysages sublimes et visuels. En rappelant la beauté de la nature et en montrant que le respect de la terre est générateur de bonheur chez ceux qui la cultivent, Rebecca Harrell Tickell et Joshua Tickell nous proposent une œuvre éducative, touchante et positive qui donnera envie à tous d’apporter de l’aide à ce projet global.

Le réchauffement climatique ainsi que le respect de l’environnement sont des valeurs portées par le Paris International Film Festival dont toute la communauté est engagée et sensibilisée à ces problématiques.

Influenceuse, 3 Récompenses dont Meilleur Court-métrage

Avec son nouveau court métrage intitulé Influenceuse, soutenu par le CNC Talent, Sandy Lobry propose une œuvre filmique inédite, saisissante et portant avec une grande justesse cette problématique contemporaine connue de tous : les conséquences des réseaux sociaux sur la santé mentale des jeunes. Figure montante de YouTube et ayant déjà collaboré avec RDC Paris, France Télévision Slash et Canal +, Sandy Lobry, aussi connue sous le nom de Sandy L, possède plus d’une corde à son arc et réussit à bouleverser les spectateurs grâce un court métrage au format original et à l’histoire troublante.

Influenceuse raconte l’histoire de Lola, interprétée par Lauréna Thellier (Ma Loute, K contraires), une lycéenne mal dans sa peau, accro à son téléphone et aux réseaux sociaux. En proie à la solitude et ignorant un père qui tente de la faire sortir de sa chambre, sa vie bascule le jour où elle contacte Miss Billy (incarnée par Alix Bénézech) sur Instagram, une influenceuse qu’elle idolâtre et qu’elle considère comme son modèle. Tandis qu’elle attend une réponse de cette dernière, Lola se met à copier la jeune femme en décidant de devenir elle aussi influenceuse. Mais les choses ne prennent pas la même tournure que pour Miss Billy et la jeune adolescente devient rapidement sujette de moqueries.  

Ce qui frappe d’emblée avec Influenceuse c’est l’originalité et l’unicité du choix de la forme. Sandy Lobry propose au spectateur une expérience immersive en le plongeant dans le monde de Lola, uniquement à travers son téléphone. Grâce au travail remarquable du graphiste et du motion designer Antoine Beahaeghel, l’interface d’un IPhone classique ainsi que celles des médias connus tels que Instagram, Google ou Konbini mais encore wikiHow a été recréée de façon si précise et réaliste qu’elle permet de construire un point de vue ultra subjectif et innovant. Ce choix de nous faire vivre une histoire uniquement à travers une plateforme numérique et via la caméra de Lola ou de Miss Billy nous rappelle le genre du « found footage », surtout apprécié par le cinéma d’horreur, et qui se justifie également à travers Influenceuse, l’intrigue basculant progressivement vers le thriller.  

Mais Influenceuse est avant tout un drame psychologique qui nous propose de visualiser la chute dans la folie d’une jeune adolescente. Tout au long du court métrage, Lola va se métamorphoser physiquement délaissant son pyjama la belle au bois dormant pour du maquillage et des vêtements très similaires à ceux de Miss Billy. L’ultra sexualisation de la jeune fille se veut comme un passage à l’âge adulte malsain et obscurcit par l’évolution psychologique de Lola qui se met en scène pour satisfaire ou plutôt rassurer son égo. Le basculement irréversible du personnage sera filmé principalement à travers la caméra du téléphone de Lola et de Miss Billy, rappelant, comme nous l’avons dit précédemment, le genre du found footage et le réutilisant intelligemment ici :  il ne s’agit pas de cinéma d’horreur mais d’une satire des réseaux sociaux.

Ce film interroge donc notre rapport à la fiction et à la réalité. Premièrement, la réalisatrice nous conseille de visualiser le court métrage directement sur notre téléphone afin de renforcer le sentiment d’immersion dans les émotions de Lola. L’interface, reproduite grâce à l’animation, semble se calquer sur notre propre smartphone, nous donnant l’impression de vivre empiriquement les faits et gestes de la protagoniste. Le medium filmique agit lui-même comme un trompe l’œil résonnant avec l’histoire. En effet, la question de la fiction ne s’arrête pas à la forme. A travers Influenceuse, La réalisatrice nous propose « une fiction » qui parle de « la fiction des réseaux sociaux ». Miss Billy joue un rôle pour gagner sa vie, ce que ne comprend pas réellement Lola qui s’attache beaucoup trop à son idole jusqu’à développer une obsession dangereuse pour elle. L’influenceuse tant adulée vend des produits qui servent eux-mêmes à enrichir le paraître : faux-cils, blanchissement des dents. Lola se fictionnalise elle-même en se créant un rôle sur les réseaux sociaux, en changeant son nom et en essayant d’affiner la forme de son visage via une appli. Influenceuse opère une mise en abime de la fiction et ce grâce au côté immersif qui permet d’extirper le spectateur de sa propre réalité. Tout ce processus tend à dénoncer la superficialité, l’addiction et les comportements dangereux que les réseaux sociaux peuvent engendrer chez les plus jeunes et les plus fragiles.

En effet, à travers la descente aux enfers de Lola, le spectateur perçoit très bien tous les problèmes contemporains auxquels sont confrontés les jeunes en partie à cause des réseaux sociaux : cyberharcèlement, comparaison maladive avec des modèles irréels, vision négative de son propre corps, culte de la minceur, repli sur soi et solitude. Mais Influenceuse souligne également la responsabilité des parents par rapport aux nouvelles technologies. Si le père de Lola (interprété de façon très touchante par Julien Girbig) la contacte régulièrement et s’inquiète pour elle, le manque de communication entre les deux pose problème. Son père n’apparaît qu’une fois dans le même champ que Lola et ne comprend visiblement pas que ses gentilles taquineries n’ont aucun effet, voir même qu’elles braquent sa fille. Mais c’est surtout la violence des mots qui entraînera Lola vers son destin tragique. Les commentaires impitoyables défilant sur son visage en pleurs lors du direct témoignent de la cruauté dans laquelle les gens en ligne peuvent s’enliser, oubliant leur impact.

Le phénomène représenté dans Influenceuse ne date cependant pas d’hier. La société de l’image et du culte de l’apparences existe depuis bien plus longtemps et est visible à travers d’autres medium comme les magazines ou la télévision qui entrainaient déjà des conséquences négatives sur les jeunes. Depuis les années 90, les mannequins et les stars en générale dont on exige une apparence impeccables sont visibles à la télévision, dans des clips ou des interviews, elles deviennent célèbres et connues du grand public. Ce que nous montre ce court métrage, c’est qu’aujourd’hui, avec les réseaux sociaux, ces personnalités parfaites que l’on voit à travers les écrans sont accessibles en permanence renforçant le risque d’engendrer des comportements obsessionnels qui émergeaient déjà il y 30 ans. Mais le pire, c’est que Instagram et les réseaux sociaux sont utilisés à des fin économiques. L’objectif de la plupart des influenceuses est d’insuffler le désir en vendant des produits. Nos écrans sont devenus de véritables vitrines de magasins. Derrière les problèmes mentaux des jeunes se cachent des intérêts financiers qui nous dépassent. Miss Billy, étant suivie par des milliers de personnes, n’a malheureusement pas compris qu’elle avait une responsabilité à jouer vis-à-vis des réseaux sociaux et des gens qui la suivent. Elle utilisera même son expérience malheureuse avec Lola afin de vendre d’autres types de produits : elle est un instrument ironique de la société de consommation.

Le court métrage de Sandy Lobry est une vraie réussite tant du point de vue de la forme que du fond. L’expérience immersive au sein d’un téléphone portable rendue possible grâce au travail remarquable qui a été fait sur l’animation nous permet de vivre une expérience unique, fascinante et dérangeante. Le format ainsi que l’histoire rendent poreuse la frontière entre fiction et réalité ce qui nous plonge de façon irrémédiable dans un univers étrange et paradoxalement familier. Avec Influenceuse, la réalisatrice éveille notre conscience sur le lien entre la santé mentale des jeunes et les réseaux sociaux. Selon une étude menée par des chercheurs de l’université de San Diego et de Floride, le taux de suicide chez les jeunes filles aurait augmenté de 65% entre 2010 et 2015, période qui coïncide avec l’apparition des réseaux sociaux. Il s’agit donc d’une problématique à ne pas prendre à la légère que Sandy Lobry traite avec brio dans son court métrage.

A Piglet’s Tale, Sélection Officielle

« A Piglet’s Tale » est-il un conte de fée illustrant une fois de plus un idéal d’harmonie entre l’Homme et la nature ? Il s’agit plutôt d’un plaidoyer antispéciste sous la forme une parabole satirique. Avec son nouveau court métrage, Fabrizio Gammardella renouvelle l’expérience de l’animation. Mais contrairement à sa dernière œuvre, Sissy’s Dream (réalisé en 2015), qui avait été projeté au Roy and Edna Disney CalArts Theater à Los Angeles, A Piglet’s Tale est beaucoup plus sombre et s’adresse à un public adolescent et adulte. Sélectionné au Paris International Film Festival, A Piglet’s Tale n’a laissé aucun de ses membres indifférent et leur a même plutôt retourné l’estomac.

A Piglet’s Tale raconte l’histoire d’un jeune couple ayant du mal à avoir un enfant. Afin d’augmenter leurs chances, ils décident d’emménager à la campagne. Un beau jour, la femme réussit enfin à tomber enceinte. Cependant, le nouveau-né est loin de correspondre à leurs attentes : ce dernier est capable de se métamorphoser en porcelet.

Lorsque le spectateur se plonge dans A Piglet’s Tale, le pacte de lecture lui annonce d’entrée qu’il va s’apprête à regarder un conte de fée s’inspirant de l’univers Disney. En effet, ce court métrage d’animation reprend tous les codes du genre. Nous sommes témoins de la naissance d’une histoire d’amour romantique et exclusive, débutant dès l’enfance des protagonistes et se poursuivant jusqu’à leur âge adulte. C’est un amour parfait, résistant aux aléas du temps et aux difficultés de la vie.  

Le choix des décors est aussi très significatif. Les protagonistes évoluent la plupart du temps au sein d’un cadre bucolique rappelant Le Conte de la Princesse Kaguya de Isao Takahata. Le futur couple se rencontre dans un parc, leur amour naît et grandit au sein de la nature, bercé par des images poétiques. Après leur mariage, confrontés à la difficulté à concevoir un enfant, ils décident d’emménager à la campagne, lieu où le miracle apparaîtra enfin, d’où le nom de la douce chanson qui accompagne leur histoire « I Believe In Miracles » de Hildegarde. La fertilité est rendue possible dans la nature, s’opposant traditionnellement aux vices de la ville symbolisés par les couleurs grises et la pluie. Le pittoresque se matérialise dans la police d’écriture des titres et des crédits mais aussi dans les passe-temps du couple (la femme peint et l’homme jardine). Ce faux conte de fée apparait cependant rapidement désenchanté et atteint son paroxysme de cruauté lors d’un repas de Noël.

Si les premières minutes de A Piglet’s Tale nous endorment confortablement au sein de l’histoire d’amour fusionnelle entre un homme et une femme, la naissance de leur enfant fait surgir le fantastique au sein du conte, ce qui qui entraîne sans qu’on le sache encore, le basculement dramatique de l’histoire. Sous l’apparence d’un cadre magnifique, propice au bonheur, à la paix et à l’harmonie, se trouve un ver dans la pomme comme disait Agnès Varda au sujet de son film : Le Bonheur. Ce ver, on le retrouve dans ce court métrage. Il est menacé par des oiseaux tout droit sortis d’un Cendrillon et fini gobé par le petit porcelet innocent. Le ver, au sein de ce cadre pittoresque, de cette impression de bonheur, c’est la fin tragique de l’enfant, inadapté à la société, abandonné par son père et rejeté à la fois par sa mère et les autres enfants. Est-ce sa demi-condition animale qui l’empêche d’être mis sur un pied d’égalité ?

A Piglet’s Tale est avant tout une parabole de la condition animale dans l’exploitation et les élevages agricoles. Le conte dénonce l’hypocrisie de l’amour que peuvent porter certains éleveurs à leurs animaux alors que la fin de leur métier, au sein de la société de consommation telle que nous la connaissons aujourd’hui, réside dans l’exécution intensive et cruelle de ces mêmes bêtes. Concernant ce petit être à moitié enfant et à moitié cochon, la question que nous pose Fabrizio Gammardella est la suivante : Est-ce qu’animal doit être considéré et traité différemment qu’un humain ? En jouant avec la capacité de l’enfant à se métamorphoser de façon très flexible, le réalisateur trouble l’empathie du spectateur qui, en personnifiant le petit porcelet, considère son sort comme celui de sa propre espèce.

Sous ce plaidoyer végétarien, se dissimulent quelques éléments venant confirmer l’esprit critique de Fabrizio Gammardella. Tout d’abord, la société de consommation, qui est à la source de la surexploitation animale, apparait brièvement dans le court métrage. Le travelling arrière sur l’image du mari en train de taper à toute vitesse des codes sur son ordinateur, dévoilant au fur et à mesure des collègues et des bureaux identiques qui s’étendent de façon infinie hors du champ, dénonce la répétition du même dans une société mondialisée et dans laquelle le soi se dissout au sein de la masse. Cela ne rappelle-t-il pas l’image de tous ces animaux entassés dans des hangars immenses ? Travelling arrière qui sera enchaîné par un plan en plongée sur les multiples nouveau-nés dont la femme doit s’occuper à l’hôpital. Des rôles genrés qui mettent en valeur les positions bien établies auxquelles sont assignés l’homme et la femme dans les contes traditionnels et reflétant la domination du patriarcat. Avec cette image, Fabrizio Gammardella nous signifie que la problématique actuelle de la mondialisation ne concerne pas que les animaux, mais le vivant dans son ensemble. C’est un appel urgent à changer notre regard, à repenser nos modes de vie et de consommation pour réenchanter notre rapport au monde.

Comment faire passer efficacement un message d’espoir et d’incitation au changement ? En précipitant son histoire féérique vers un drame tragique, Fabrizio Gammardella marque durablement les spectateurs, stupéfaits pas l’horreur finale du conte, dessiné et représenté de façon aussi poétique et douce que The Snowman. Mais si A Piglet’s Tale choque, il nous fait aussi réfléchir à la problématique brûlante de la mondialisation et de la surexploitation. Loin de vivre en harmonie avec la nature qu’ils affectionnent tant, celle où leur amour a pris forme et qui les a aidé, semble-t-il, à procréer, le couple y est finalement indifférent. A Piglet’s Tale témoigne de notre déconnection envers le vivant mise en valeur dès la scène d’ouverture. Le petit garçon s’amusant à jeter des pierres aux oiseaux est-il innocent ou bien le symbole de l’indifférence collective envers le destin de notre planète ? Un conte aux apparences féériques mais qui cache dans bien des scènes un message que Fabrizio Gammardella fait passer avec beaucoup de finesse.

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JENNA SURU, UNE JEUNE CINÉASTE ENGAGÉE QUI NE SEMBLE PAS AVOIR DE LIMITES (monokromemag.com)

Handscape, Sélection Officielle

    Handscape est le deuxième court métrage de Yiru Chen. Réalisé en 2021, son nouveau film prolonge le travail de l’artiste qui avait été amorcé dans Paulo and Ripo sur le rapport entre langage et corporéité. Handscape fait aujourd’hui partie de la sélection officielle du Paris International Film Festival.  

    Dans Handscape, Yiru Chen raconte l’histoire d’un jeune garçon, Xia Qing passionné par la danse et fasciné par la technique de mouvement des mains de Martha Graham, l’une des fondatrices de la danse contemporaine qu’il découvre dans un magazine dédié à son art favori. Mais ses goûts ne conviennent pas vraiment à sa mère, atteinte de surdité et bloquée dans les carcans traditionnels de la société chinoise : elle refuse radicalement qu’il participe à l’audition de sa compagnie de dance préférée.

     Magnifique, poétique et sensuel, Handscape déploie aussi tout une réflexion sur l’inclusion, la puissance du langage corporel et de l’art.

    Le dernier court métrage de la réalisatrice Yiru Chen est une ode à la diversité et à l’inclusion. Ayant suivi des études sur les problèmes de surdité et de déficience auditive, Yiru Chen maîtrise parfaitement son sujet. En effet, la jeune réalisatrice mène de bout en bout un film quasiment muet, retraçant l’évolution conflictuelle de la relation de Xia Qing avec sa mère entièrement grâce au langage des signes. Si quelques scènes du film nous permettent de comprendre que le protagoniste peut tout aussi bien entendre et parler avec ses camarades de danse, cet aspect reste en marge de l’œuvre qui préfère se concentrer sur les moments d’introspection du personnage, rendus possibles grâce à un autre langage : celui de la danse.

    Mais Handscape retrace également les limites de l’inclusion auxquels les personnages sont confrontés. La mère de Xia s’inquiète pour l’avenir de son fils et de leurs problèmes de déficiences auditives tandis que Xia craint le regard que porte sa mère sur son identité qui s’éloigne des codes masculins. Mais Yiru Chen se garde bien de juger et de mettre dans une case son personnage principal en refusant de filmer le thème banal et répétitif du coming-out. Xia apparaît simplement comme un garçon qui explore les possibilités de son être et qui remet en cause les stéréotypes de genre, peu importe son orientation sexuelle. Si sa mère assimile le vernis à ongle au genre féminin et à l’homosexualité, les spectateurs avertis comprendront que ce ces deux aspects ne sont pas forcément corrélés entre eux, le rapport au genre et à la sexualité se complexifiant de plus en plus.   

    Ainsi, c’est grâce à la danse que le personnage principal va pouvoir se libérer du regard de sa mère tout en la libérant elle-même. Comme il a été dit précédemment, Xia semble pouvoir communiquer avec ses camarades et n’est pas complètement sourd. Mais le travail sur le sound design, devenant parfois plus faible, nous laisse penser que le personnage principal est aussi emprisonné par des problèmes de déficience auditive, comme en témoigne la musique, absorbante et teintée d’une forme de grésillement ou de clapotis.

    La danse apparait donc ici comme un moyen de libération et d’expression du personnage. Mouvements interminables, appropriation de l’espace, transe introspective et émotions traversent Xia tout au long du court métrage. Pas besoin de mots, ni du code du langage des signes, ce sont les émotions perçues à travers la danse ainsi que le beauté de l’art qui finira par faire sourire et émouvoir la mère de Xia, laissant penser au spectateur qu’elle va enfin le laisser vivre de sa passion.    L’homonymie que l’on peut relever entre « Landscape » et « Handscape » prend alors tout son sens. Le « Landscape » c’est le paysage, l’espace, qui absorbe l’homme par son immensité et sa beauté, tout comme les mouvements des mains de Xia, qui souhaite s’échapper des déterminismes de son corps et de la société, étendant ses gestes et sa volonté au-delà de sa finitude matérielle.  

   Savage, Sélection Officielle

 Réalisé par Denis Dobrovoda en 2019, Savage constitue le troisième court métrage du réalisateur. Projeté et nominé à travers des festivals reconnus tels que Boston et San Diego, Savage fait maintenant partie de la sélection officielle du Paris International Film Festival.

    Savage raconte l’histoire d’un jeune africain, amené de force par des colons anglais en Angleterre ayant en tête de l’exposer dans un musée d’histoire naturelle. Dévoilé comme un objet de curiosité aux yeux des visiteurs, le jeune homme n’a pas d’autres choix que d’obéir aux ordres de ses ravisseurs en se pliant à leur demande.

     Même si Savage démêle de bout en bout une histoire cruelle et tragique, nous l’avons apprécié pour son message fort et son concept, qui, nous en sommes surs ne laissera aucun de ses spectateurs indifférents.

    Si Savage est un court métrage aussi poignant, c’est avant tout parce que ce qui semble à priori n’être qu’une histoire d’horreur dans laquelle des hommes en réduiraient d’autres à la condition animale, leur demandant de réaliser des numéros afin d’amuser le public, est surtout une représentation réaliste d’une partie de l’histoire coloniale. En effet, pendant longtemps, des expositions coloniales ont eu lieu en Europe dans lesquelles les peuples colonisés étaient exhibés au sein leur « cadre naturel » reconstitué. Ces expositions avaient pour but de représenter un monde idéalisé et d’assoir « l’idéologie impériale de l’époque promouvant la supériorité de l’Occident ». Nous retenons ainsi que la réalité inhumaine de la colonisation suffit à créer un sentiment d’horreur et d’absurdité, tant ces pratiques de l’époque nous apparaissent aujourd’hui étrange et barbare.

    Savage déploie une réflexion sur le regard subjectif et biaisé de l’homme blanc, tout en nous faisant réfléchir sur notre propre regard. Qui sommes-nous pour savoir si un être vivant mérite de devenir un échantillon de son environnement que nous pourrions manipuler à notre guise ? Le jeune homme dont nous suivons les tentatives de fuites désespérée, court et se perd à travers le musée découvrant sur sa route des centaines d’espèces animales figées. Sa course vaine lui permettra seulement de prendre conscience que son avenir est réduit à celui de ces animaux et de la jeune Inuit, c’est-à-dire l’enfermement à tout jamais dans ce musée, vivant ou mort.

    Savage est un film permettant de garder la mémoire les évènements atroces qui ont eu lieu lors de la colonisation, dénonçant le racisme dans une époque telle que la nôtre, continuant d’être menacée par son spectre oppressif. Ce court métrage permet de nous prévenir sur les des dérives de notre regard et affirme que la diversité humaine et animale est essentielle à l’équilibre de notre monde. L’occident a un rôle important à jouer et doit se remettre en question s’il veut éviter que nous devenions tous les objets éteints d’un immense musée.

Surviving The Silence, Meilleur Montage

Après avoir réalisé et produit Breaking Through en 2013, Cindy L. Abel revient avec un documentaire qui met de nouveau à l’honneur la communauté LGBTQI+. Avec Surviving The Silence, ayant fait sa première mondiale au Ashland Independent Film Festival et en sélection officielle du Paris International Film Festival, Cindy L. Abel s’impose comme la porte-parole et la témoin des difficultés et des injustices rencontrées par la communauté gay. Un documentaire grandiose, émouvant et surprenant sur le fait d’être une lesbienne militaire au 20ème siècle et sur la législation dans les forces armées des Etats-Unis vis-à-vis des homosexuels et des bisexuels. Au Paris International Film Festival, nous admirons le courage et la force de ces femmes qui ont participé à l’évolution et au changement des mœurs au sein de l’armée et de la société américaine.

Surviving The Silence établit le portrait de deux femmes lesbiennes militaires, Patsy Thompson et Margarethe Cammermeyer ainsi que celui de Barbara Brass qui était la compagne de Patsy. En 1992, Margarethe Cammermeyer avoue ouvertement devant l’armée américaine qu’elle est lesbienne. A seulement 2 ans de sa retraite, Patsy Thompson, infirmière décorée de l’armée, était en charge de la commission d’examen militaire de Margarethe Cammermeyer. Elle-même lesbienne et en couple depuis des années avec Barbara Brass, cette nomination fut une des choses des plus difficiles à faire pour Patsy. Tiraillée entre le fait de protéger son propre secret et d’apporter de l’aide à Margarethe, Patsy fera retarder la nomination le plus longtemps possible, au risque d’être elle-même soupçonnée. Pour Margarethe, Patsy était une héroïne.

A travers ce documentaire, Cindy L. Abel parle avant tout d’amour. Comment vivre son histoire d’amour au sein d’une société qui rejette les unions qu’elle considère immorales et illégitimes ? Ici, il s’agit d’une histoire d’amour homosexuelle, celle de Patsy Thompson et Barbara Brass, l’une militaire, l’autre plutôt proche des idées hippies et antimilitaristes. Deux femmes aux idées opposées mais qui n’ont jamais cessé de s’aimer, de se soutenir et de lutter pour rester ensemble malgré le manque de soutien de la part de leur entourage, les lois strictes de l’armée et les nombreux voyages de Patsy pour son travail. Cindy L. Abel raconte cette histoire d’amour grâce une mise en scène et une reconstitution historique riche. Mêlant archives vidéographiques, photos et documents juridiques, elle plonge instantanément le spectateur dans l’histoire émouvante de Patsy et Barbara. Un des plus beaux plans du documentaire est certainement celui qui filme Patsy dans sa tenue de militaire donnant la main de Barbara avant de rentrer dans un lycée du Nord de la Californie, lieu où elles raconteront leur histoire pour la première fois. Ce sont des images que nous sommes peu habitués à voir, la possibilité pour deux femmes qui ont vécu dans une société répressive d’afficher leur amour anticonformiste et encore récemment réprimé par l’armée américaine. Patsy, en tenue militaire, inspire la communauté LGBTQI+ tout comme la communauté féministe. A travers les médias ou les arts, peu de femmes militaires sont représentées, ce qui en fait de rares modèles.

Surviving The Silence retrace également l’évolution récente des mœurs américaines dans le milieu de l’armée. En effet, après l’affaire de Margarethe Cammermeyer, les choses ont lentement commencé à évoluer. La politique de législation discriminatoire Don’t Ask, Don’t Tell a été mise en vigueur à partir de 1994. La loi indiquait que l’armée ne devait pas se renseigner ou poser des questions sur l’orientation sexuelle de ses recrues. Cependant, elle appelait également les non hétérosexuels à ne par parler de leur orientation au risque d’être renvoyé. Une loi ambiguë et loin de résoudre le problème mais témoignant du retentissement de plus en plus grandissant de l’injustice dont la communauté LGBTQI+ est victime. Il faudra attendre 2010 avant que le gouvernement de Barack Obama abroge cette loi et permette réellement aux citoyens non hétérosexuels de pouvoir s’engager dans l’armée sans avoir à garder le silence sur leur identité.  

Surviving The Silence est un magnifique documentaire qui met à l’honneur le combat de femmes dont la différence constitue aussi leur force. Après des années de survivance dans le silence et la peur, Patsy Thompson et Barbara Brass vivent aujourd’hui bien plus librement leur amour, le proclame haut et fort et luttent pour les droits des LGBTQI+. Ces trois femmes sont une grande source d’inspiration pour la communauté du Paris International Film Festival. L’art est un vecteur de changement comme nous le démontre le film produit par Barbara Streisand sur l’histoire de Margarethe Cammermeyer. Les artistes comme Cindy L. Abel libèrent la parole autour de l’oppression du patriarcat et permettent d’avancer vers un monde avec d’avantage de diversité, de paix et de possibilités d’être.

Ruby Red, Meilleur Court-métrage pour le changement

Depuis la réalisation en 2015 de son premier long métrage intitulé Wasp, Philippe Audi-Dor ne cesse d’interroger notre rapport à l’orientation sexuelle et au désir. Primé et sélectionné dans plus de 10 festivals comme le European Cinematography Awards et le New Amsterdam Renaissance, Ruby Red, son tout nouveau court métrage, poursuit la réflexion du réalisateur quant à la fluidité des désirs et de ses interdits. Avec cette nouvelle œuvre, en sélection officielle du Paris International Film Festival, on quitte la chaleur exotique du sud de la France afin de nous engouffrer dans une soirée où l’exaltation des corps excite les sens.

Ruby Red raconte l’histoire d’un jeune homme hétérosexuel perturbé par des envies qu’il juge incompatibles avec son identité. C’est au sein d’une soirée que Théo, magnifiquement interprété par Basil Eidenbenz, troublé, s’isolera dans une chambre avant que Ruby (jouée par Amelia Bennett) le retrouve. A l’abris des regards, cette dernière lui demande de lui révéler son plus grand fantasme. Celui-ci se révèlera à la fois comme une libération et une malédiction pour le jeune homme tiraillé. Une esthétique flamboyante rendue possible grâce à la complicité artistique entre Philippe Audi-Dor et son directeur de la photographie Pablo Rojo.

Ruby Red fait partie de ces rares court métrages qui arrivent à conjuguer son identité visuelle aux enjeux de la diégèse. Le charme suranné de la pellicule cinématographique, l’atmosphère queer multicolore et chatoyante, la fluidité du jeu des acteurs baignés dans une ambiance diaprée et sensuelle sont autant de bonne raisons de voir et re revoir ce petit bijou cinématographique.    

Peut-on sortir des carcans de la masculinité traditionnelle tout en étant toujours attiré par des femmes ? Telle est la question qu’on se pose en regardant Ruby Red et à laquelle le réalisateur répond que cela ne peut se faire qu’en empruntant le long chemin de la déconstruction du genre à la fois salvateur et douloureux. Ici, il n’est pas question d’un jeune homme se posant la question de savoir s’il est homosexuel ou non. Théo se demande tout simplement s’il peut porter du rouge à lèvre et continuer à vivre normalement. Ce que nous montre Ruby Red, c’est que la rigidité du genre masculin empêche les hommes d’explorer certaines parties d’eux-mêmes. Théo est un jeune homme qui a envie de s’aventurer sur des chemins nouveaux malgré la gêne qui le retient. La fluidité des désirs du jeune homme s’écoule à l’écran comme les nombreuses lumières de la chambre qui défilent sur son visage, passant d’une émotion à une autre et dominé avant tout par la crainte. Toutes ces couleurs diaprées et qui envahissent ce huit clôt introspectif nous rappellent Pink Narcissus de James Bigood. La fête est propice à l’exacerbation des sens et Théo se regarde avec beaucoup d’appréhension à travers la glace qui lui permet de plonger en lui-même. Mais ce surcadrage l’enferme aussi paradoxalement. Il cherche une réponse, mais faut-il en trouver une ? Ruby apparait comme celle qui pourra enfin l’aider à réaliser ses fantasmes. Mais qui est-elle au juste ? Son double féminin et sensuel ou une femme qu’il rêve de pouvoir enlacer en étant libre ? Peut-être les deux. 

L’aspect onirique et festif de Ruby Red est tout aussi perturbant pour le spectateur qui subit la violence morale que s’inflige Théo. Cigarette brulant la peau, ciseau serré dans sa main droite et Ruby le maltraitant, la souffrance du personnage principal rapportée par le format du 4/3 nous semble très proche. Théo étouffe dans ce cadre trop restreint pour ses désirs. Si l’on veut nous aussi toucher la couverture en satin, la paume de notre main endure presque la même douleur que celle de Théo. Les sens sont en éveils, bercés par la couleur apaisante du bleu, océan dans lequel les invités de la soirée dansent, mais sont tout aussi malmenés par la douleur qu’ils peuvent engendrer. Violence et extases sensuelles se côtoient dans un monde qui n’est pas encore tout à fait prêt à lâcher prise. L’usage d’une palette de couleur néons rappellent l’aspect obscure que Nicolas Winding Refn donne à ses films. Les néons écrasent leur lumières froides et diffusent sur Théo qui subit tantôt avec plaisir et tantôt avec violence ses envies. Ruby Red est une invitation à explorer la mouvance de nos désirs sous l’œil voyeur et consistant de la tradition.  

Le grain attrayant du 16 mm est une façon de personnifier le poids de la tradition qui pèse sur les épaules de Théo mais aussi sur les représentations du genre au cinéma. Celle-ci rentre en contraste avec la fête qui est filmée sous un format numérique. Lorsque Théo s’abandonne à son fantasme et qu’il peut enfin affirmer son désir envers Ruby, les corps sont filmés en alternance avec des plans fixes sur des posters représentant des tableaux anciens. La réalité et le regard de la société rattrapent Théo. Mais la présence du rêve de Rousseau ne pourrait-elle pas aussi apparaître comme le regard complice d’un ancien artiste encourageant les jeunes à briser les règles de l’art tout comme lui les a déjà brisées ? La musique joue aussi un rôle important dans Ruby Red. Très prégnante au début du court métrage, elle s’efface à mesure que la tension de Théo monte et disparait complètement lorsque Ruby lui met le rouge à lèvre. La musique reprend, Théo revient à la vie.

Ruby Red est un court métrage brillant, audacieux et séduisant dans lequel une multitude de symboles se cachent donnant différentes pistes d’interprétation à l’histoire. On l’aime pour sa capacité à explorer le rapport des hommes à leur masculinité, dans une époque influencée par la culture LGBTQI+ et dans laquelle une plus grande fluidité est permise. Théo, à l'instar des personnages de Xavier Dolan, est un personnage masculin qui souffre de ses désirs non conventionnels et qui est enfermé dans un cadre étouffant. Mais on peut espérer que grâce au travail des artistes sur la représentation, ils pourront eux aussi, un jour, mieux respirer dans un monde qui se prêtera davantage à la réinvention de soi.